31/1/11

Che: El argentino y Guerrilla, de Steven Soderbergh (2008)

Hacer una película sobre la historia política de Cuba siempre llevará a la controversia. Es muy complicado lograr un buen film que aborde de manera objetiva acontecimientos tan complejos, en una nación donde la opinión pública hasta hoy se ve contrariada. Soderbergh, a pesar de ser criticado en Miami por "pro-castrista" y en Cuba por "superficial", logra un proyecto cinematográfico ganador en sinceridad, en solidez y en variados aspectos visuales que transforman la figura mítica del Che en un interesante personaje de la pantalla grande, encarnado esta vez por el gran actor puertorriqueño Benicio del Toro. Esto, además de una fotografía impecable y una fidelidad a prueba de escrúpulos, permite apreciar la producción como una genuina forma de interpretar visualmente una historia llena de gestos heroicos, de triunfos y también de fracasos.

El Che en la Sierra Maestra.
En El argentino, la primera parte del film, podemos advertir las visitas más tempranas del Che a Cuba, con un Fidel jovensísimo (Demián Bechir) influyendo poderosamente en el futuro guerrillero. Esta primera producción destaca por ser más compleja que la sucesora, debido a su doble función tanto documental como de obra ficticia, entendido esto por ser una creación artística y no periodística. Se intercalan en la narración algunos momentos importantes para la Revolución, como la intervención del Che en la ONU, con esos memorables discursos que sacaban ronchas en las filas más conservadoras (ver enlace), además de algunos juegos temporales que ayudan a entender mejor la historia del guerrillero y de la Revolución Cubana en sí. Estos aspectos permiten profundizar un poco más en la historia de Cuba, a diferencia de la segunda parte, que se aboca principalmente en la guerrilla iniciada por el Che en Bolivia, donde al final encuentra su muerte.

Guerrilla, como ya señalé antes, narra la lucha revolucionaria del Che en la sierra boliviana, donde llega clandestinamente junto a una pequeña tropa de guerrilleros, dispuesto a comenzar la Revolución en Sudamérica. Esta segunda parte no empieza donde acaba la otra, la cual culmina con el triunfo revolucionario el 1 de enero de 1959, sino que se salta el periodo de construcción y asentamiento de la Revolución en Cuba para fijarse exclusivamente en la guerrilla comenzada en Bolivia, a finales de 1966. Esto vuelve a Guerrilla una película con mayor acción que la primera, aunque, de manera contradictoria, también la vuelva mucho más lineal y monótona, debido a la claustrofóbica experiencia de las tropas del Che en la Sierra, constamente perseguidas por el Estado boliviano, encerrados en un espacio más bien reducido.

Fiel recorrido histórico y político.
En conclusión, ambas películas conforman una sóla narración que, a pesar de estar separadas de manera temporal, están unidas por la misma convicción, los mismos ideales y la misma lucha que hasta hoy no se ha podido detener, gracias a la continua injusticia de los gobiernos mundiales, indiferentes a los altos grados de pobreza y marginalidad que aún azotan con fuerza a nuestras naciones. El Che de Soderbergh se destaca por la valentía y la perseverancia que tuvo el personaje en la realidad, y su historia resalta por ser imparcial y fiel a los hechos, permitiendo que el público, sin importar su visión política, pueda disfrutar de una película interesante, densa y fidedigna con respecto a su procedencia histórica, cargando así con una responsabilidad que va más allá del cine, alimentando el masivo descontento social existente hasta hoy en muchos países de nuestra actitualidad.



Descargas:

El argentino: Megaupload (.avi)

Guerrilla: Megaupload (.rmvb)

25/1/11

Bailarina en la oscuridad, de Lars von Trier (2000)



Nunca me han gustado los musicales, lo reconozco. También puedo reconocer que soy un ignorante en el tema y algo prejuicioso con ellos, sobre todo con los que a diario son mencionados y sobrevalorados como High School Musical, Glee, entre otros. Pero, a pesar de mis escrúpulos, tuve que actuar hace unos meses en uno de los más grandes musicales que se han realizado: Jesucristo Superstar. Tenía noción de su existencia pero nunca la había visto, y al verla lo único que puedo decir es que simplemente me encantó. Es así como de a poco he abierto mi mente y he ido disminuyendo mi recelo hacia dicho género, dándome el tiempo de ver una película que hace meses venía aplazando: Bailando en la oscuridad, y lo primero que dije después de verla fue: “la obra maestra que me estaba perdiendo”.

Lars von Trier logra echarse al bolsillo a todos los detractores y críticos del Dogma 95 (ver enlace) con esta simple pero magnifica película, valiéndose de una historia maravillosa, cambios de cámara sólidos, una edición espectacular y la banda sonora y actuación a cargo de la talentosa Bjork. Por lo mismo, podríamos decir que Bailando en la oscuridad es una genialidad con todas sus letras. Hasta catalogarla en un género único es difícil. Podríamos decir que es un drama con tintes de esperanza, un musical atípico como los de Broadway o simplemente un “dramático antimusical”.

Selma y Kathy
Selma (Bjork) vive en un pueblito del gigantesco Washington D.C., luego de emigrar de su natal Checoslovaquia. Arrienda junto a su hijo una casita rodante en un terreno que pertenece a Bill (David Morse), un policía local, quien vive junto a su señora disfrutando de la comodidad y estabilidad económica, gracias a una suculenta herencia. Siendo madre soltera, Selma deberá lidiar con la escasa remuneración que recibe en la fábrica y las necesidades básicas y materiales de su pequeño hijo Gene. Carismática pero algo tímida, logra desenvolverse en sus labores junto a la bella Kathy (Catherine Deneuve), su única gran amiga y consejera. Ambas se reúnen en su escaso tiempo libre con un grupo amateur de teatro, para ensayar el montaje de una obra musical en la cual están insertas. Selma es una persona muy soñadora, y es así como va transformando su vida en un gran musical, por medio de visiones oníricas que nacen de su gran virtud e imaginación.
"Dancer in the dark"

Hasta ahí la historia se tornaría de lo más cotidiana, típica familia de clase media-baja en plena superación, pero la vida de Selma no es nada de fácil. Padece una enfermedad congénita que la llevará a la total ceguera, enfermedad que su hijo también ha heredado. He ahí donde el amor de madre aflórese, y los sentimientos del espectador también se asoman, emanando emociones a gran velocidad.

¿Qué más podría explicar? Bjork debió haberse ganado todos los premios habidos y por haber con su magistral actuación, y Lars von Trier es un director que nunca te dejará como si nada. O te deja anonadado o te deja con ganas de putearlo. Personalmente, yo me quedé puteándolo. Y no por la basura que hizo de película, sino por la genialidad lograda.

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22/1/11

El lado oscuro del corazón, de Eliseo Subiela (1992)

Eliseo Subiela, autor también de la afamada Hombre mirando al sudeste (1986), pareciera que nunca escribe un guión por mero capricho. Siempre hay una profunda intensión de fondo, que lleva al espectador a mundos colapsados de pasión y lirismo. El lado oscuro del corazón, lejos de faltar a la regla, es el mejor ejemplo de ella, y es aquí donde se exploran con mayor intensidad esos tópicos líricos del autor, acostumbrado a llevarlos (tanto visual como narrativamente hablando) hasta las últimas consecuencias.

Mario Benedetti leyendo "Corazón coraza"
La historia nace de las ambiciones amorosas de Oliverio, un poeta sumido en la bohemia y la soledad, que busca desesperadamente una mujer capaz de "volar". Este discurso está basado en un poema del argentino Oliverio Girondo, quien, además de representar indirectamente la identidad del personaje, le otorga una poderosa carga poética al relato, logrando que la obra se transforme en un crisol artístico donde habitan al mismo tiempo tanto cine como literatura. Siguiendo esa línea, se entrecruzan también textos de Benedetti y Juan Gelman, además de otros textos de Girondo, complementando así el panorama visual y estético del film. Incluso, Subiela incorpora un cameo de culto al ya difunto Mario Benedetti, quien aparece leyendo un poema en alemán, dedicándoselo a una prostituta en un oscuro bar del Uruguay (ver enlace). Estos aspectos fortalecen aún más el lirismo de El lado oscuro del corazón, creando una película donde la poesía y la vida se funden irremediablemente.

Por otra parte, lo esencial de la historia es un particular trío amoroso integrado por Oliverio, su amada y la muerte, esta última encarnada en una mujer que no deja en paz al protagonista, hostigándolo y recordándole cada vez que puede las ruinas de su existencia. De hecho, en una escena bastante particular, incluso intenta burlarse de su oficio como poeta, a lo que Oliverio responde con un poema de alta carga discursiva, logrando así uno de los puntos más altos de la cinta (ver enlace). Estas discusiones entre el poeta y la muerte intensifican el romanticismo con que Subiela interpreta la vida, incorporando a la búsqueda amorosa/sexual de su personaje todo el sentido de la humanidad, de la plenitud individual y las necesidades tanto físicas como espirituales. De esta forma, el amor, tanto en su decadencia como en su expresión máxima, es planteado en el film como el más alto propósito del ser humano, por lo que la carga pasional y metafísica de la obra es realmente incalculable.

Al final, es el propio espectador quien interpreta la importancia del amor en sus vidas o en la del propio Oliverio, pero si hay algo que no se puede negar, es la genial capacidad de Subiela para conmovernos al tiempo que nos hace pensar, al tiempo que nos introduce en un mundo donde las pasiones inundan todo a su paso, alejándonos (durante dos horas del mejor cine) del amor de postal, de la poesía fácil y los absurdos clichés de las telenovelas. Este es el inicio del film, y más abajo está el poema completo que Oliverio le recita a la muchacha. Espero que lo disfruten:

http://www.youtube.com/watch?v=-lWyKm6dqCk


Espantapájaros (Oliverio Girondo)
No se me importa un pito que las mujeres
tengan los senos como magnolias o como pasas de higo;
un cutis de durazno o de papel de lija.
Le doy una importancia igual a cero,
al hecho de que amanezcan con un aliento afrodisíaco
o con un aliento insecticida.
Soy perfectamente capaz de soportarles
una nariz que sacaría el primer premio
en una exposición de zanahorias;
¡pero eso sí! -y en esto soy irreductible
- no les perdono, bajo ningún pretexto, que no sepan volar.
Si no saben volar ¡pierden el tiempo las que pretendan seducirme!
Ésta fue -y no otra- la razón de que me enamorase,
tan locamente, de María Luisa.
¿Qué me importaban sus labios por entregas y sus encelos sulfurosos?
¿Qué me importaban sus extremidades de palmípedo
y sus miradas de pronóstico reservado?
¡María Luisa era una verdadera pluma!
Desde el amanecer volaba del dormitorio a la cocina,
volaba del comedor a la despensa.
Volando me preparaba el baño, la camisa.
Volando realizaba sus compras, sus quehaceres...
¡Con qué impaciencia yo esperaba que volviese, volando,
de algún paseo por los alrededores!
Allí lejos, perdido entre las nubes, un puntito rosado.
"¡María Luisa! ¡María Luisa!"... y a los pocos segundos,
ya me abrazaba con sus piernas de pluma,
para llevarme, volando, a cualquier parte.
Durante kilómetros de silencio planeábamos una caricia
que nos aproximaba al paraíso;
durante horas enteras nos anidábamos en una nube,
como dos ángeles, y de repente,
en tirabuzón, en hoja muerta,
el aterrizaje forzoso de un espasmo.
¡Qué delicia la de tener una mujer tan ligera...,
aunque nos haga ver, de vez en cuando, las estrellas!
¡Que voluptuosidad la de pasarse los días entre las nubes...
la de pasarse las noches de un solo vuelo!
Después de conocer una mujer etérea,
¿puede brindarnos alguna clase de atractivos una mujer terrestre?
¿Verdad que no hay diferencia sustancial
entre vivir con una vaca o con una mujer
que tenga las nalgas a setenta y ocho centímetros del suelo?
Yo, por lo menos, soy incapaz de comprender
la seducción de una mujer pedestre,
y por más empeño que ponga en concebirlo,
no me es posible ni tan siquiera imaginar
que pueda hacerse el amor más que volando.

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18/1/11

Solo contra todos, de Gaspar Noé (1998)


Seul contre tous.

El franco-argentino Gaspar Noé, sin lugar a dudas, es uno de los directores más crudos que circulan hoy en la pantalla grande. Con su mediometraje Carne, Noé nos preparab
a ya para su opera prima: Seul contre tous, una película desesperante, asfixiante, brutal y horriblemente posible. El film comienza con una intro en la cual una voz en off, seguida por una serie de fotos que calzan perfectamente con lo relatado, nos explica la vida de un hombre cuyo único anhelo es convertirse en carnicero, para construir así su propia carnicería en algún lugar de París. Con treinta años de arduo trabajo logra conseguirlo, pero como la suerte es para algunos tan efímera como traicionera, no le dura mucho aquella buena vida. Su mujer lo abandona y cae preso tras apuñalar a un hombre inocente, luego de que a su única hija le llegara por primera vez la menstruación, haciendo pensar a su padre que aquel tipo se había propasado, intentando violarla. Por su error, el hombre va directo a la cárcel, su hija directamente a un internado de mujeres, y la victima, sin más, al hospital.

Al salir de la cárcel, el carnicero ha perdido todo: ilusiones, esperanza, trabajo, su hija y su carnicería. Ha perdido simbólicamente su nacionalidad, y se siente extranjero en su propio país. Después de vivir un tiempo en Lille, una ciudad al norte de Francia, regresa a París, con unos pocos francos en sus bolsillos y una pistola con tres balas. Se ha convertido en un tipo solitario y cansado de la maldita burocracia y de los burgueses discriminadores; cansado de las leyes injustas, de una familia a la cual no puede aferrarse, de un puñado de amigos sin trascendencia y del qué dirán. Por eso y mucho más, es que acabamos casi todos así, luchando solos contra todos.

El carnicero y su hija.
El director, con una historia tan interesante como la ya narrada, no se conforma con lograr una película polémica, fuerte y directa. El resultado de su arduo trabajo tanto visual como teórico es una producción inteligente, sólida en ideas y técnicas cinematográficas, aportándole a la cinta ciertos aspectos filosóficos que nos ayudan a adentrarnos en la sicología de su atormentado protagonista, acentuando también su conflictiva relación con la sociedad. Frases con mensajes subliminales tales como “moral” o “al final la muerte no abre ninguna puerta” son mezcladas con diálogos de poderoso corte existencialista, monólogos delirantes, un fuerte discurso ético y trucos narrativos como la cuenta regresiva tanto en dinero como en desesperación que el carnicero agota hasta el clímax, llevando al espectador a un ambiente caótico donde la esperanza y las emociones parecen asfixiarse.

Noé se da el gusto de darnos a elegir si continuar “martirizándonos” viendo la cinta, o quedarnos con un final inconcluso, entregándonos treinta segundos para apagar el televisor y dormirnos desolados sin saber qué sucederá. Yo elegí seguir viéndola (reconozco que dudé) y me di cuenta que también se da el gusto de engañarnos con un final que encontraremos macabro, pero que permanece tan ambiguo como el mensaje de la película. Definitivamente, una película no apta para cardiacos ni para almas sensibles.


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11/1/11

El octavo día, de Jaco van Dormael (1996)

Le Huitième Jour (1996) es una película belga, filmada en Francia y Bélgica, dirigida por Jaco van Dormael.

Harry y Georges.
Harry (Dalien Auteil), divorciado y con dos hijos, es un hombre de negocios, un ejecutivo elite invadido por la rutina diaria: despertar, generar dinero, dormir. Paralelamente, encontramos a Georges (Pascal Duquenne), un tipo con "síndrome de Down", cuyo único anhelo es encontrar a su madre. Él vive en un internado y un día se escapa para buscar a su progenitora. Al no tener noción de la realidad y no saber donde se encuentra, en cosa de segundos se ve perdido en la gran ciudad. Harry es un tipo exitoso laboralmente, el típico tipo del siglo XXI invadido por la monotonía diaria, una “máquina humana” adinerada, pero con carencias afectivas gracias a sus propósitos codiciosos. En la intimidad familiar, es un perdedor inserto en el fracaso matrimonial, el cual lo tiene totalmente desesperado. De a poco está perdiendo también a sus hijas, que no las ve hace tiempo puesto que siempre está muy ocupado con sus negocios, y abrumado por ello, recorre la ciudad pensando en su destino y su futuro. Resulta que, como por arte de magia, ahí estaba: su destino era encontrarse con Georges, un tipo que socialmente está catalogado como discapacitado, pero podríamos encasillarlo como un ser humano con “habilidades diferentes”, que con su simpleza y carisma logra demostrarle a Harry (y también al espectador) lo fantástico que es la vida. En ese contexto transcurre la historia, maravillosa, emocionante.
Pascal Duquenne.

En resumen, Le Huitième Jour (El octavo día en español) es una de las pocas películas de las cuales podemos señalar, sin exagerar en lo absoluto, que generan todo tipo de emociones. La actuación de Pascal Duquenne es genial, logra hábilmente canalizar las emociones del público, dejando pequeño a cualquier actor y persona catalogada como “normal”. Es por ello que este film es uno de los pocos que han causado en mí el paso del llanto a la risa (y viceversa) en cosa de minutos. Espero que en ustedes también resulte así.


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7/1/11

Clerks, de Kevin Smith (1994)



Dante y Randal
Cine contemporáneo. Blanco y negro. Con un humor rápido y fresco, la opera prima de Kevin Smith se ha situado como un clásico de culto del cine independiente. Con un presupuesto bajísimo (25.000 dólares aprox.) y una gran virtud, Smith logra una relación empática con el espectador por medio de sus dos locos protagonistas: Dante y Randal. Dante (Brian O'Halloran) está en su día libre, pero gracias a la ausencia de su querido jefe tiene que presentarse a trabajar de todas formas al mini mercado. A un costado de él se encuentra una tienda de videos, donde Randal (Jeff Anderson) es el encargado de ella. Dos tipos excéntricos, con mentalidades muy diferentes pero con algo en común: son unos simples esclavos de la tienda, cansados del círculo vicioso que los rodea pero sin muchas predisposiciones para cambiar su presente, menos su futuro. Es así como con unos diálogos simples a primera vista, ágiles y llenos de ritmo, más un tremendo ingenio, Smith logra cautivar y divertir al espectador por una hora y media. Con una tropa de personajes freaks que visitan la tienda es imposible aburrirse, destacando la participación del director en la película como Bob el silencioso, el cual, junto a su compañero Jay (Jason Mewes), se dedican al tráfico de drogas, pasando todo el día fuera de la tienda vendiendo y haciendo prácticamente nada. Más de alguien se sentirá identificado con ellos, quizá con el indeciso Dante, sus crisis existenciales y su atormentado fracaso que le persigue, impidiéndole terminar sus estudios y desechar el trabajo de mierda que odia, pero que no puede abandonar. O con Randal, que le da lo mismo todo, aceptando sin tapujos la vida que lleva con un lema tipo carpe diem, sin calentarse la cabeza.

Bob el silencioso y Jay.
Creando una atmósfera simplista con un trasfondo genial, matando dos pájaros de un tiro al reducir costos (produciendo la película en blanco y negro), con diálogos coherentes y ágiles, Clerks logra seducir y atrapar al espectador. En un mundo lleno de frustraciones y aspiraciones utópicas, independiente donde te encuentres, tu cultura e idiosincrasia, Clerks y sus dos locos protagonistas afectados por trabajos mediocres y remuneraciones para la risa, logra lo que muchas cintas millonarias no pueden hacer: generar empatía en el público.

Es por ello que creo que es la mejor película de Smith, junto con la secuela Clerks II, que a diferencia de muchas otras “segundas partes”, no pierde el ritmo ni la chispa de la primera.


Descarga:

Clerks I: Megaupload

Clerks II: Megaupload
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